Trío locura, liderado por Katherine Thomas: una mina más loca que la chucha, exquisita, afrodisiaca... rica. De esas que excitan como Diamanda Galas y le pegan mil patadas en el culo a Avril Lavigne y esas mierdas hueónas que salen en la tele. Violinista, guitarrista, compositora y la comparan con Yngwiee Malmmsteen. El EP puede molestar a una menopaúsica: por eso es increiblemente la zorra. El título del disco lo dice todo: "Vivaldi Sangriento". Violento. Macabro. De miedo.
Un ejercicio de azar atribuyó a un partido de ajedrez (el partido entre deep blue y Kasparov) sonidos que se ejecutaban conforme las piezas eran desplazadas en un tablero preparado y conectado a un computador que ejecutaba la señal y la convertía en sonido. El resultado era Free Jazz ubicado en la instrumentación escogida por el ingeniero que modeló la experiencia. Esto significa solo una cosa: la música del mundo es el Free. La música del azar y de los sucesos es Free. Debajo de cada cosa muda o elocuente que observamos se agita la posibilidad de traducirlo en una pura música que es Free Jazz y no otra. No importa la instrumentación, el Jazz obtiene sus elementos gracias a la historia y su sonido a pesar de ella. Los vientos tienen su origen militar; a nadie le interesa eso. Tchicai es un gato que fue levantado a la categoría de procer gracias al ahora antológico articulo de Thurston Moore "top ten from the free jazz underground" y este disco se ha mantenido así, casi desapareciendo de la blogosfera, de verdad bajo el suelo, ejecutándose como las placas que calan en el subsuelo marino para reventar en volcanes que son la experiencia en las copias aún audibles de Afrodisiaca y los mp3's indignos que la ofrecen al vox populi . Este disco contiene uno de los momentos más gloriosos del Jazz; su title track, Afrodisiaca, verdadera traducción del mundo salvaje y los pasos de Lope de Aguirre su perdición en el Perú imediatamente colombino. Transita por todos los estados de la creación y se hace cargo del horror y eso es lo que necesitamos para avisar el agujero negro que deja relucir la experiencia humana de la existencia. Los demás tracks son fácilmente accesorios, salvo que representan de manera concisa la influencia norteamericana en el jazz europeo, sin duda más mental y menos vociferante como lo son Arthur Doyle o Sonny Murray, investigando más en lo irónico o lo circense e incluso lo acomodado para descubrir lo existencial; como viaje al fin de la noche de Celine los temas que acompañan son pequeñas denuncias institucionalizadas. Ave por Afrodisiaca, que al final se corrompe cuando los 25 gatos se unen en las ventanas del agujero y no hay aguja ni rip que soporte el peso de la improvisación. Esta música fue y era. Todo el Jazz llora su impotencia de no ser suceso y reproducirse acomodadamente.
Muchos empezaron el 2010 con caña, un mariscal y ritmos pachangueros. A muchos nos gusta empezarlo con un buen vino y este bendito Dark-Ambient que existe para recordarnos que no todo está perdido, que hay esperanza en el mundo y que no todo es papiloma y desamor.
Wappenbund son de esos proyectos que mezclan el sound-collage con lo industrial y el noise. Partiendo por una marcha funebre, con samplers de gobernadores para luego culminar en un noise y sonidos de explosiones. Debo ser honesto: es escasa la información de este proyecto, pero a opinión personal, les va a gustar a quienes conocen a Einturzende Neubauten, Derniere Volonte, Ministry y Skinny Puppy. Es más, hubo un tiempo donde ocupé estos discos para quedarme dormido... y no pude. El tema Sehnsucht me sacó un par de lágrimas; es de esos temas que agradeces luego de escucharlos: tiene esa intensidad de Slap Happy Humphrey, que luego de una hermosa melodía, una interrupción ruidosa no molesta - al contrario. Es bueno escuchar Dark-Ambient, sobretodo si son bandas como Wappenbund. Se los dejo a su criterio.
Si tuviera que terminar el año con un disco: sería con este. Stefano Battaglia lo conozco gracias a Alberto y su blog; que lamentablemente, muchos de los discos que subió ya no existen en los servidores. En resumidas cuentas, Stefano Battaglia se trata de un compositor Italiano que toca el piano y que en este disco participan las siguientes personas.
Stefano Battaglia: piano, prepared piano Michael Gassmann: trumpet Mirco Mariottini: clarinets Dominique Pifarely: violin Vincent Courtois: cello Aya Shimura: cello Salvatore Maiore: double-bass Bruno Chevillon: double-bass Roberto Dani: drums Michele Rabbia: percussion
Narcolepsia es un desorden neurológico que sufren algunas personas con insomnio, y que no pueden manejar más de 5 horas seguidas. A su vez, se trata de la segunda parte del split que realicé con Alberto Parra. Quise experimentar en el sound-collage y en el Dark-Ambient. Cada track representa una historia, y como bien dijo Alberto en el post anterior: quedé satisfecho con el resultado. Son 25 minutos de conspiración sonora [lo digo de esa manera, para que suene "filete, perro"]. Hace tiempo que estuve con la idea de realizar un EP que esté relacionado a la música que he estado escuchando estos últimos años: experimental, noise, avantgarde y todo lo que no implique guitarras: no sé tocar instrumentos de cuerdas y grabo con un micrófono de pc - maravillosa opción para experimentar con lo que se tiene: sonidos, youtube y fruity loops. Al igual que el EP de Great Cóndor Invokation, esta obra no tiene título. Luego lo tendrá; quizá cuando esté listo el artwork, o cuando Obama mencione que existe vida extraterrestre. Debo ser honesto: me aburrí del miedo que meten del 2012; que los Mayas, que el sol, que se acaba el mundo. Por eso comparto este post con un link que es necesario para entender este split. Les pido un favor: Vean el link antes de escuchar estos EP's.
La carátula pertenece a un cuadro de Mónica Rojas Piffre; una persona que admiro bastante.
Este disco se supone saldría como un split junto al oscuro disco porvenir de Ricardo Iturrieta. Ambos estábamos ensayando en el dark ambient, yo desde una experiencia drone y noise y Ricardo de un lugar similar pero tangencial también al sound collage e incluso al experimento concreto. El resultado de ambos fue extrañamente satisfactorio para los dos, ergo el split. De todas formas saldrá en ese formato pero ahora yo presento mi parte con algunas actualizaciones recientes. La música que aquí produje es el resultado de una manifestación sonora libre de atributos estéticos potenciada por la experiencia melómana que despiertan ciertas discografías escenciales: El Free Francés y el Norteamericano, La música de librería, el drone moderno y el drone oriental, la camada kosmische y neo psicodélica que flota en estados pequeños y que no tarda en llegar a Chile, y los referentes potenciales de todo el rio Nurse With Wound; y aún así suena tan diferente como extraño. Es también una búsqueda poética de un referente geográfico: tratar de ubicarse en la ciudad o entenderla desde sus atributos históricos para luego derrocar los absurdos de la geografía versus la geología. Estoy orgulloso de la precariedad en la producción y de como la instrumentación se disuelve, pero para los curiosos este discos fue producido gracias a los increíbles feedbacks del Big Muff y un delay nada malo nada caro, víctimas de la guitarra y toda fuente sonora que pueda reproducirse y samplearse. Hay robos absurdos que prometen un ejercicio de crucigrama interesante en su justificación. Además de sencillas herramientas sonoras como emuladores de sintetizadores y filtros y mucha manipulación y ecualización. Sus jueces son los mismos que aquí disertan sobre música. Su intención es menor que la elocuencia de las palabras. Mi deseo es que ustedes las escuchen (estas invocaciones) y las comenten.
Recuerdo esa vez que me impresioné con Disco Volante de Mr. Bungle, fue como en el 2001 y pensaba que no había un disco con tantos cambios en el mundo de la música: pecaba de ingenuidad, de ese desconocimiento cuántico más que cuático; o sea, galla: este disco es ultramente-hiper-la-zorra!!!.
A cuatro años de su formación, Coil saca esta obra que luego fue remasterizada en 1997. Ningún tema se parece a otro, todos mantienen su esencia Dark-Ambient mezclado con Industrial; esa que existe antes de Trent Reznor y que aún le gustaría superar... ah, se me olvidaba que el Dark-Ambient no es comercial, al menos, en menos medida que el Rock-Industrial de Nine Inch Nails (sin menospreciarlos; al contrario, me gusta harto NIN; pero aprendí a comprender que Reznor le quita créditos y distrae al público de bandas como Coil o Edward K-spel) Horse Rotovator son de esos discos que rescatan el minimalismo y oscuridad concreta de Coil; no es un disco pretencioso, ni para bailar; al contrario: meditar con este disco es una experiencia peligrosa, no por el hecho que te encuentres con ese maravilloso ser divino adicto a las drogas; sino que puedes sentir ese miedo de que una presencia externa está vigilando, y a la vez, mandando señales. Lo explico de otra manera: hace que tu inconciente manifieste el estado cerebral alpha. Este disco cumple mi edad; hace veintitres años realizaron esta obra y hace no más de 5 meses me di el tiempo de escucharlo a oscuras; las otras veces lo escuchaba mientras estaba pendiente de escribir o de jugar Oddworld en el computador. Siento que este disco es una obra maestra; más que Music To Play In The Dark... es mi disco favorito de Coil.Me recuerda a Death In June, Current 93, Skinny Puppy y muchas bandas Dark-Folk e Industriales. Si llego encontrar este disco en vinilo, creo que sería capaz de violarme una pokemona papilomica; ehm... eso debe ser fácil.
Fuera de bromas: estos dos discos salvaron mi vida. No entraré en detalles, aún así, los recomiendo cuando tengan una ruptura amorosa. Quize compartir los dos discos de Demian [O Paradis] con Novy Svet, porque considero que son hermanos gemelos: se complementan, como si fuera un sólo disco. Las letras siguen siendo la escencia de O Paradis: desamor, karma, busqueda a un nuevo amor o convivir en soledad y en silencio. Los samplers son increiblemente oscuros y la música otorgada por el señor Novy Svet, representan a una Italia en decadencia; quizá, como una vez me dijo Gurowner: "Refleja todo suburbio de un bar rancio". Este es el disco #100 de Anadiomena. Hay muchos que ameritan este puesto, pero encuentro que O Paradis nos ha acompañado en el crecimiento de este blog querido. Portense bien, no desobedezcan a su consciencia y si tiene un problema emocional: recurra a escuchar este disco, no lo va a dejar indiferente.
Bajar Entre Siempre y Jamás Suben Las Mareas ACÁ/HERE Bajar Destello De Estrellas En La Frente ACÁ/HERE
Les desafio lo siguiente: Escuchen este disco en un mall; van a querer aniquilar a alguien. Este Free Jazz invoca a un ritual sadista, cuando quieres mear tu boxer; frente a una princesa del dolor, la doña juana de la locura inter-espacial. Discazo, vieja ruda. No digo nada más. Ahora me callo y punto seguido al ambiente tranquilo. Hola.
Fíjense en la primera persona de izquieda a derecha, el de camisa clara: ese compadre es un puto genio. Se trata de Jojo Hiroshige, fundador de Hijokaidan [1979] y del sello Alchemist Records, donde se editó este disco. Hiroshige tuvo la idea de hacer tributo a la cantautora folk Morita Doji. Al principio, no patentaron los derechos de autor; pero no tuvieron problema con ese trámite.
Slap Happy Humphrey está integrado por un piano, teclado, guitarra electrica y acustica, y la exqusita voz de Mineko Itakura; que muchas veces alivia ese noise que extermina fantasmas o malas vibras. Lo primero que me imaginé fue una nipona con una falda negra, que resiste una gigante ola. El ruido que se genera al final del track 1, es digno de un aplauso y considerarlo parecido a Niku-Zidousha. Luego le agarré la dinámica al disco, y encuentro que es una obra realmente interesante, no sólo por las melodías, sino que las interrupciones por la guitarra de Hiroshige, que marcan esa diferencia; como un solo de Kerry King, compadre. En cada track esperé esa guitarra noise, ese ruido cocoroco.; y efectivamente: todos los tracks tienen ese pebre para el ají, ese noise para lo lindo, esa esperma en un cuerpo precioso.
No estoy seguro si es un disco para compartir con alguién en persona, puede que caiga en esa categoría de ser un disco para “escucharlo solo” (¿A quien no le han dicho eso?). Amo este disco; gracias Javiera.
Chile tiene muchas bandas que no se reconocen como deben ser. Es cierto, tenemos cantautores como Victor Jara y Violeta Parra ¿Pero qué pasa con los Blops o Los Beat 4? Este compilado me hizo apreciar la música Chilena que existió en los 70's. El movimiento andino neo-hippie lo respeto: pero no todo se trata de Los Jaivas, Congreso e Illapu... HAY MÁS, señora. En el compilado hay un tema de Aguaturbia, que es digno de ser parte del compilado Nymphomania. Personalmente, los dos temas que salen de los Blops me emocionan, donde uno de ellos es Pirómano, y puede parecerse a un instrumental de Janis Joplin con algun tema de los Who o Cream. Finalizando el disco, le toca el turno a El Congreso; que es mi tema favorito por sus letras y sus cambios: son de esos temas que son insuperables, que no sonaron en la radio y si es que llegaron a sonar; lamentablemente nadie se enteró. Este compilado habla por Chile, por una busqueda de una identidad perdida, que ya no existe: ahora todo suena a algo gringo, a un plagio playero británico. "No son flores, sino espinas: ya verás" [El congreso]
Baja un compilado Chileno que vale el recuerdo ACÁ/HERE
Sumergirse en estudios de la discografía de nww supone locura.De aquella cinematográfica locura, esquizofrenia, elucubraciones demasiado ineptas...Pero, apuntes de lo literario del mundo (que significa no hay ventanas hacia otro lado solo existe subrayarse),parece que he encontrado una piedra preciosa (vulgar) un ídolo de culto inexplorado. Veamos, aquí sitio web existe el primer LP de nww Chance on meeting...El disco aquel es un todo un pedazo de historia, el proyecto de una música del todo por el todo, oscuramente libre y casi desnuda en su tecnicismo precario pero su confianza casi absoluta de estar mirando la realidad.Y digo Proyecto por aquel estudio al que me aboco como un inepto de la cultura tratando de salvar mi alma. Claro, suponer que una banda así puede iterarse en cualquier momento y acomodarse en mi inepta aptitud de catalogar y sufrir junto a la música es inepto TAUTOLOGOSy es ahí cuando el Arte golpea casi antes de desaparecer por completo a la carrera de sí mismo. Y es que desde chance on meeting, pasando por insect and individual, homotopy to marie y discos de la época la violencia y la realidad son especificas tan claras como dibujadas subrayadas casi literarias en su fuerza de choque, su asociación. Podríamos llamarle noise y sugerirnos a nosotros mismos que estamos proyectando un marco teórico y estaríamos a salvo. Aún así discos notables, a pesar de su elocuencia adolescente, la música ciertamente escapa ciertas barreras autoimpuestas de la evolución que conlleva su descubrimiento sistemático, adictivo.Bacon titulaba "studies" a sus obras por miedo precisamente a lo que, hasta 1983, le estaba sucediendo a nww. Su música se desvanecía, como los rostros de Bacon, pero la represión y la apropiación eran demasiado violentas como para rozar la experiencia sutil de la convivencia con el dolor.Ostraenenie es ese estado gravitatorio que nos permite la vida y lo único que nos permite la vida sin acercarnos a otra cosa que la duda. Desde este disco el dolor, la oscuridad y los adjetivos dan un vuelco sinestesico. Incluso la esperanza asoma desde la más agazapada loba encuevada que ha pactado con el diablo, pero ¡Alás! Reivindicación y el llanto oscuro de no volver a confiar. Digamos que desaparecen los instrumentos del collage, desaparece el collage y sucede la consecuencia. La música se impone como la historia y el momento le persigue. Un Aleph y obvio que esa impresión nos sucede y repentinamente explotamos por lo que se nos ha dado como imagen sin poder transformarse en el heredero de lo sucediente, viéndolo todo...Librería, Cinematografía, Ocultismo, Oscurantismo, debo especificar.Significado. Y ahora que vuelvo a escuchar de nuevo todo el comienzo de su discografía debo detenerme y crucificarme en el olvido un lugar donde nadie pueda recoger mis restos para reconocer que todos aquellos estudios se desdibujan y dejan ver detrás de esa bofetada la ontología que aclara al menos nuestro odio; Ostranenie es aquella instancia de una cronología que transforma el pasado en tanto lo significa como desolación y la no poesía de los campos de concentración. Que Rimbaud vea lo que nosotros hemos visto, que Lautremont vea lo que nosotros no hemos visto y de verlo (con seguridad ha sucedido) no determinaríamos su realidad. ¿Qué sucede? Empiezo a dilucidar...¿Es que esta experiencia se ha vuelto religiosa? Por la mácula, decía una persona que me gustaría volver a escuchar, solo por la mácula puedes llegar. Los proyectos al fin se miden por el impacto de su fracaso, con elocuencia la voz de Kurt se eleva hasta la más estable reutilización, no hallo en esta música el alcance de sus aciertos, siquiera la pretensión, solo puedo azotarme contra ella porque todo me evoca claves que sugieran primero el escape y luego la última escapada -la muerte por la espalda-de nuestra propia absorción. Todo el tiempo atándonos el mundo, llevándolo hacia nosotros, todo el tiempo tratando de suceder en ello. Hay verdaderas disoluciones, o la pretensión mejor camuflada que se cuela como el fracaso rotundo y apocalíptico de nuestros tiempos; este disco es ello.
Del Inner Sleeve:
LIKE SOLOMON? THE OLD BITCH SPAT
SCENARIO:An old and dusty room.Shelves crammed with dull and dust
carpeted books.An old school globe is in the middle of the room, seated
on an old rocking horse.Large idols, again dusty, are nailed to the walls:
buddha, jesus, krishna, a cloth portrait of mao and a big plastic micky
mouse.
CHARACTERS:EGG, a man holding a large broken egg timer.He wears
a dingy and frayed white shirt, and a greasy black suit.Greasy lank hair.
ID, a young man, about twenty five years old, dressed in
a 19th century bohemian fashion.His face is buried in his face and hands
most of the time.His neck is stiff.
EGG:Not at the end of my tether.Early days yet.(Looks at egg timer)
See - it's still early.Wheel not broken, golden bowl still fills with water.
ID:You always look on the bright side of things!Be realistic, old man.
Mind at the end of its tether.It's pointless erecting those diamante
umbrellas in the face of this storm.And stop scratching your crutch,
crab glans.
EGG: (annoyed).What I do with my body is MY business.It's pointless
being down for the sake of it - at the end of your tether so to speak.
My memory is good, my forehead grows long into the old days.The
grasshoppers have not yet turned into locusts.The goat's milk is
plentiful; sour, I admit, but still plentiful.Enjoy yourself, have a NICE
time.
ID:You'd drive me to the end of my tether, but I shan't let you.
Grasshoppers still squeal, but no longer comfort in their squealing.
All the lights went out in the street.The almond tree lost its leaves,
slowly at first, until it realised it must bow to the inevitable.The
daughters of music broke wind.After the rain, more clouds: as goads,
or nails.
EGG:
(together)The silver cord is loosed.
ID :
EGG:The locust is now the burden.
ID:Weariness of flesh, at the end of its tether.
EGG and ID then move to the globe.And stand either side of it.
A handsome jesus wheels a crucifix onto the stage.A roman soldier
is crucified on it.Jesus pokes the roman between his spears with a rib.
Jesus pulls out his vagina, slowly chanting:
MALDOROR
MALDOROR
MALDOROR
TU AS FAIM
MALDOROR
All four bodies then dissolve.The room changes the ancient of days.
Oil then drops from his beard, crying "Holy, Holy, Holy."
Cuando subí "Tropical Trip" del Ememble de free jazz Jooklo Duo prometí que pronto complementaría mis tendencias "out-there" con este maravilloso disco que ahora, aquí, os entrego. La tendencia de este disco también difiere del original free jazz del duo, entregándose a un trabajo más espiritual, cósmico y ambiental. Encuentro una reminiescencia inmediata entre Neokarma y el trabajo de los Taj Mahal Travellers en los 70's, debe ser por la presencia casi divina del maestro Makota Kawabata, master-mind del space-out-rock-cosmic-comunity Acid Mothers Temple, además de prolifico músico solista (ya hemos publicado trabajos de él acá) y contribuidor insaciable en la escena músical noise-ambient-space rock. Este disco es realmente una aventura religiosa, en el sentido estricto y anarquista de la palabra. El sonido me evoca inmediatamente los pasillos del palacio de los inmortales de Borges, además de las maravillas del mundo, el taj mahal y las piramides que sugerían los titulos de Ash Ra Tempel; una música que busca adentrarse en la mitología y la posibilidad de una existencia multidimensional, antigregoriana, que atesore el espíritu como verdedero hogar de nuestras mentes, no el cuerpo que no trasciende. Etereo, la sonoridad de cada instrumento está completamente alejada de sus principios básicos, tanto que la instrumentación llega a sonar tan complementada que es dificil distinguirla por separado ("muerte al ego" como el website del ensemble sugiere), vientos como feedbacks y ecos de paredes inmensas, baños de platos y baterias marcando el ritmo del avance hacia el "idolo de las cicladas", la verdadera visión de Dios, como la torá, como en Pi Fe en el Caos, que acabará por devolvernos la lucidez esquizofrénica que este mundo juzga. Clasificando: una aventura electrónica, étnica, oriental y etérea. Neokarma Jooklo Octet es un laberinto lisergico en el cual uno se pierde a voluntad, sin pensar en volver a los sonidos Indie que pululan nuestra capital y el mundo entero, un disco para aquellos que entiendan en la música y el arte una posibilidad de redención y no aquella voluntad autocomplaciente que dejan las perversiones de este mundo capitalista, corrupto y reciclable. Alás... Por un mundo diferente
Este disco me lo presentó Javiera, y debo darle todas las gracias porque es absolutamente la zorra: tenerlo en vinilo debe ser la mejor reliquia que un melómano pueda tener. A ver, es un compilado de música Go-go, hecho en Bolivia y a fines del 60: la hicieron; se merecen el mismo respeto que tiene "La Nueva Ola" en Chile. Esa misma admiración que tiene Zalo Reyes, Luis Dimas, José Alfredo Fuentes y muchos más. No digo que la música sea parecida, ni cagando; pero sí son de esas bandas que se escucharon en su tiempo y luego, de a poco, fueron olvidadas. En Psicofásicos uno se puede reír con Los Ecos, donde la historia se trata de una gran pelea entre un gato y un perro: digno de ser interpretado por Nubeluz o Cachureos. También presentan un cover de "Break On Through" hecho por el Grupo 606 y temas con un gran contenido social y optimista como lo hace The Donkeys. Hay muchas Tararas que bailan tango mientras viven con su gato; si eso parece a algo incoherente: escuchen a Los Grillos. Por el momento, considero que este es un compilado que no puede faltar en un carrete o en la discografía personal.
Gracias a mi compadre locura ReZNiK, descubrí esta dupla germana, compuesta por Morbeus y Roedelius. Estos son sus comienzos, y se presentan de una, al choque, al hueso; sin metáfora ni corte imaginario. Psico-espacio puro, comadre lola. El primer disco se concentra en un space-ambient, con loops progresivos; creando una sensación de aterrizaje galáctico. Son tres temas sin título, haciendo que el viaje dure 44 minutos. Me recuerda a Arecibo y a los Kraftwerk del 70; sobretodo a Ralf Und Florian y Kraftwerk 1. Cluster II tiene progresiones inmediatas, cada sonido nuevo aparece antes de los 10 segundos. La nave ya está siendo piloteada por el disco anterior, no se necesita preparación ni algun tipo de intriga: estamos en el espacio, viejita; y es responsabilidad de cada uno donde se quiera llegar. En esta ocasión, el disco tiene seis tracks, con sus respectivos títulos y el viaje es de 45 minutos. En este disco aparecen guitarras y sonidos más armónicos que el disco anterior; sin dejar de lado el drone y sonidos que van progresando, como si fueran asteroides amenazantes a la nave. En temas como "Georgel" se nota un cambio drástico, más oscuro, pasando de un space-ambient a uno más dark, parecido a lo que hace Sleep Chamber. Lo único que se necesita es apagar la luz, cerrar los ojos y si es posible, un co-piloto o alguién que se encargue de la nave. ¿O no?
La mitología detrás de esta agrupación suele tildarse de irónica y divertida: la gran broma del krautrock, tan grande como el cosmos. Pero esta misma conjunción de situaciones es un poco la explicación del mundo y todas aquellas cosas que florecen incluso la muerte, y sobre todo una pieza de música superior, esparciendose por tu pieza sin rigidez haciendo eco de tu aliento hacia las cosas. En el Krautrock tienes de todo. Alemanes eclécticos como perros violentos, agazapados, reducidos por una maravilla tanto más violenta. La música al final es así, una fuerza, puedes incluso desplazar las cosas y entrar en comunión con ellas gracias a ella. Y el Krautrock es una pieza así en el rompecabezas: una violencia demente (¿Dónde duerme el Guasón, qué hace en su pieza?); palabras grandilocuentes y sobrepasadas totalmente por su forma. De toda su ardiente mitología la que yo considero más trepidante es aquella que corresponde a la camada Ash Ra Tempel, sencillamente por la razón primeriza de un tema llamado Amboss, de su homonimo, que representa para mi la perfección de la trascendencia hacia la desmaterialización. Qué puedo decir, son estas las palabras que me evocan. Se dice que la discografía de Ash Ra Tempel en su line up original es entera una gran pieza de jam, extensiones de las mentes de músicos inmaculados, delgados y sonrientes; y siempre se puede caer en la representación de sus temas con soberana instrospección y seriedad y convicción de la elocuencia espiritual de sus frequencias; cada vez una reinvención de la partitura, a cada segundo una revelación del mito. No he sentido en otro lugar aquella energía arcana que me proporciona Ash Ra Tempel, y cuando, desesperado, la busqueda había llegado a su fin (después de 5 discos de estudio, un LP extraño y varias "private tapes") sin esperanza alguna de volver a sentir esa comunión con lo otro, aparece Cosmic Jokers (y narrado así si parece broma...). Resulta que Cosmic Jokers no es una banda, fragmentos de su discografía corresponden a "bandas" jameando, bandas como sin nombre entidades musicales, pero no son una banda propiamente tal, es el descabellado proposito y profecía del señor Rolf Ulrich Kaiser. Rolf es un productor alemán de avanzada. Siempre atento buscando el out-there, siempre presente en las mejores producciones de la época. Un amigo de Ash Ra Tempel, amigo de Wallestein, amigo de todos un conocido Alemán de renombre y ecos de historias perturbantes. Rolf era también organizador de eventos psicodelicos. Entidades me gusta llamarles, Happenings incluso yo diría la genesis original de la música concreta. En estos eventos el LSD se tomaba como agua y se jameaba y se grababa sin el aparente consentimiento expreso de los músicos, que a mi me consta les valía madre el papelón que les iba a pegar Rolf, todos menos el agraciado y prolifico Klaus Schulze baterista por esos días de Ash Ra Tempel y por ser Iniciador y principal representante de la Escuela de Berlin. Como aquellos retratos de swingers y cámaras de video recién desarolladas por las empresas gringas de los 60 que captan la escena para provecho de uno o todas las exitaciones de los presentes, pero diferente, oculto, porno malicioso. Eso es Cosmic Jokers, una masa densa de manipulación, extañeza y psicodelia. El resultado de un GAP alucinatorio, infinito y circular, y de la gran traición de otro personaje del arte, como Max Brod nuestro Rolf Kaiser, son la discografía eterna de Cosmic Jokers, 5 discos, demandas posteriores, pastiches y viajes al centro, superficialidad y epidemia de la lucidez. El resultado es también la entidad que la palabra kosmische divisa, Música del otro. Música que ya estaba, inventada, desde siempre (las comas son necesarias). Precisando: Cosmic Jokers es agudos punteos de Manuel Gottsching, su virtuosismo placentero, sutil, bluesero y hedónico al mismo tiempo, las baterias trepidantes de Schulze, mucho espacio para el esparcimiento de las caras B de los discos de Ash Ra Tempel, de cara al tiempo y escupiéndolo, las voces dulces y lisergicas de Rosi Muller, las narraciones de Timothy Leary sobre su encuentro con los chicos de Ash Ra Tempel en europa despues de su exilio, clásicos sintetizadores de sonidos analogos y desvirtuados y enfatizados meneandose sobre lo certero y la fantasía, todo mezclado a suerte de la mente de nuestro genio Rolf, quien recogió las voces de estos pobre muchachos de la Alemanía avergonzada y supo perpetuarlas todo al mismo tiempo que estaba creando un nuevo genero y se mantenía como ser humano en Alemanía. Un Sobreviviente.
He estado estático en la contemplación del Jazz Francés. Hay una aspiración cósmica más aplicable a nuestro tiempo que aquella comunión social y efervecientemente humana del Free Jazz homólogo Americano. El Free Francés me hace recordar la Kosmische Musik Alemana, esos atisbos de subrayar lo elocuente de las vibraciones atómicas; en todos lados explosiones constantes, galaxias en nacimiento y un puro pulso horriblemente semejante a Dios, sin otra respuesta. Así mi incursión sistematica en el sello Futura, madre de artistas verdaderamente tocados por lo Otro: Thollot como una invitación lejana, la ironía de las notas de trompeta de Berrocal, las texturas de Favre la batería reiventada, melódica y exasperante, vientos Franceses, Tusques, toda la avanzada casi militar de Magma y los derivados de su Zehul; semanas completas de instrospección, la guerrilla interna: música desde los huesos la voz de Grotowski contra todo el universo. Y en el Persa la hermosa esperanza de ese sonido ahora análogo en mi tornamesa; discos del sello ECM que apadrinó durante los ochentas a Favre, Surman y Barre Phillips (presentes en este disco) todos hijos de Futura. Así me hice de dos vinilos espectaculares. ECM, a precios módicos, uno de Surman con Favre y otro de Phillips con Favre (la conexión está en ese primer disco solista de Favre en Futura, Abanaba) y escuchándolos en mi casa, durante la noche santiaguina acompañado de la marihuana encontrar una sofisticación preciada muy propia de los ochentas, herencia de Paul Bley y otros, un sonido depurado y etereo muy poco desgajado pero tremendamente desgarrador. Bueno, esos discos son para otra vez, su respectivo rip en calidad optima y otras declamaciones prontas. Ahora doy una vuelta a la decada de los 70 donde el Free era aún un grito profetizador que acabaría un poco instalado un poco retribuido propio del arte que triunfa (porque lo verdadero es el fracaso). Este disco muestra toda aquella curiosidad de los gatos europeos hacia el trabajo de las estatuillas de marmol americanas. Mucha reminescencia a "the shape of jazz to come" de Ornette, Portal en el Alto y Surman en Soprano homologando el dueto Cherry-Coleman con la diferencia sonora evidente pero un discurso similar en la expresividad. Algunos tracks, claro, otros se disipan en la texturización propia francesa similar a la Horde Cathalique Pour La Fin, Cohelmec Ensemble etc...No liberandose totalmente de la estructura la música consigue ser reminiscente, evocar dialogos y situaciones y lugares habitados por mitología encarnada. A veces hay verdadera desesperación, otra veces complacencia y espectaculos circenses, de todas formas un display de habilidades tecnicas y reconocimiento de la herencia impresionante; una mirada más que crucial a una de las escenas de Jazz más importantes de Europa.
De "Dusty Groove America":
A landmark French avant session from the start of the 70s -- and one of the most bracingly brilliant albums ever recorded by saxophonist Michel Portal! Portal's paired here with British reedman John Surman -- and the duo play some amazingly complex lines on the date -- very freewheeling, but not entirely without structure -- as Portal handles alto sax and bass clarinet, and Surman blows soprano, baritone, and bass clarinet as well. Other group members include Barre Phillips on bass, Stu Martin on drums, and Jean-Pierre Drouet on percussion -- and the use of two percussion players, without piano, makes for a very unique quality to the record. Titles include "Oo Bam Ba Deep", "Ca Boom?", "Undercurrent", "Yes, Oh Yes, You Wonderful Sun Kissed Maiden", and "Y En A Marre".
En 10 años han sacado dos discos, eso habla mucho. A la vez, hablan mucho de esta banda, la mayoría de las veces es en mala. Cuando Deftones tocó por primera vez en Chile, los iba a telonear Rama, pero supuestamente ellos intentaron sobornar a la productora con dinero para quedar seguros. Ese supuesto no se solucionó y a Deftones los teloneó 2X... Fugitivos es un disco la zorra, más allá que le digan místicos o alternativos; es un disco que mezcla la honestidad de Rage Against The Machine y esos cambios magistrales que se encuentran en Tool. Prefiero que el disco hable por mí. " Traer de vuelta el ritual... Revolución compañero"
Hace tiempo no escuchaba algo relacionado al Post-Rock. Antes me preguntaba ¿Qué diablos es el Post-Rock? Y por muchas definiciones que escuché y leí, lo recomandable es escuchar bandas como Squirrel Bait, Red Krayola y Slint. Del sello Satanista, nace Seiseiseis; un disco que llamó mi atención desde el primer día que los escuché. Fue gracias a Felipe González que conocí a esta banda. Y es el pedazo de banda. De aquellas que tuvieron que haber teloneado a Damo Suzuki, cuando vino a Chile. Me impresiona la cantidad de ruidos que ocupan, sonidos ambientes y efectos que perturban al nível que Kawabata logra en su " disco". Esta obra tiene muchos cambios, a veces uno se olvida que se trata de la misma banda; es en el caso de Caea, un tema de 21 minutos que no agota escucharlo; partiendo con un sonido muy parecido al de Tortoise e ir manifestandose de a poco, como lo haría Mogwai en sus tiempos de Rockaction. Insisto, si hay bandas que debieron acompañar a Damo Suzuki; una, de muchas: NO ES Congelador, y en el Normandie; puta, tanta linterna molestaba. Pero eso es para otro capítulo... ¿O NO?!
Soundtrack de la película dirigida por Werner Herzog. Popol Vuh hace referencia a un libro sagrado de los Mayas K'iches [Popol= Reunión/Civilización y Vuh = Libro], la película se realiza en las amazonas de lisboa; donde Fitzcarraldo quiere construir un teatro de la música; para que los indigenas puedan apreciar la opera y la música en general.
Fitzcarraldo es un soundtrack étnico, donde no sólo realiza sonidos de tribus y rituales indigenas, sino que son varias composiciones hechas Opera. A la vez, son adaptacionesde algunas obras de Strauss. Lo que más se escucha en este disco son voces tenores y soprano, pianos otorgados por el difunto Florian Fricke, instrumentos de viento y percusiones rápidas que dan ese aire amazónico. No aseguro que esta sea la mejor obra de Popol Vuh [decidir eso sería categórico y soberbio], aún así, recomiendo este soundtrack, como obra indispensable en tu colección de discos.
Devoción simple y conmemorativa a la transmisión mecánica. Discos olvidados. En la solera tercermundista discos aplazados. Avant Garde, Free Jazz, Experimental, Noise, Space, Kraut, Psych, Library, D.I.Y, Drone, Ambient, Spoken Word.
